El diseño gráfico para todos, mural – street art en Balcarce

En este siglo visual, el diseño gráfico está presente en cualquier soporte, es el día a día en la vida de todos.

La creatividad tiene la potencia de transformar vidas y espacios. No hay límites técnicos que impidan crear.

 

Como diseñadora gráfica que soy, he cruzado fronteras y he experimentado con todos los formatos. El abanico de posibilidades para activar y aplicar los conocimientos desde el lado de comunicación visual, se ha ampliado mucho. He pasado de desarrollar diseño gráfico sobre papel, cartón, chapa, pared de vidrio que separa espacios interiores a pasar a resolver cuestiones de diseño gráfico en la pantalla de la computadora, diseño de interfaz, diseño web, hasta la pantalla táctil de la tablet y smartphone desarrolando la imagen de videojuegos En estos meses me encontré que además, se me presentaba un espacio físico, público, calle 3 entre 18 y Av. Gonzáles Chaves, Balcarce, para interactuar y dejar constancia de que ese espacio a partir de ahora está transformado, generándose un puente entre los vecinos y los que pasan por allí.

Se buscó representar el girasol que nos alegra y siempre gira hacia la buena energía. Es una planta originaria de América y siempre está presente en nuestro entorno durante los veranos. El girasol que se asocia al sol, ilumina nuestra vereda. Con esta intervención hacemos florecer aún más la felicidad del barrio.

Gracias a Sofobano por confiar en mi, gracias Jorgelina, Maru, Noe, Alumnos y Profe de 5º2º Esc. Sec. Nº1 de Balcarce, por compartir tardes y mañanas pintando, a los que se acercaron a saludar, y cebar mate, a mis sobrinos, a mis hijos y esposo, y abuelos por el aguante! 🙂

Mi creatividad no fluye, bloqueos creativos

En varios momentos de la vida podemos tener bloqueos creativos. Por distintas circunstancias, la mente no puede focalizarse en el punto que yo denomino “cero”. Las razones pueden ser de distinta naturaleza, aunque muchas veces son todas juntas 🙂

  • BLOQUEOS EMOCIONALES: En general miedo a hacer el ridículo, o a equivocarnos, y está relacionado con una autocrítica personal negativa.
  • BLOQUEOS PERCEPTIVOS: Al percibir el mundo que nos rodea, lo vemos con una óptica limitada y reducida, no pudiendo observar lo que los demás, los creativos, ven con claridad. Podemos empezar a ver cómo destrabar este bloqueo perceptivo a través del conocimiento de la persepción visual y sus recursos gráficos. 
  • BLOQUEOS CULTURALES: Las normas sociales nos entrenan para ver y pensar de una manera determinada, lo que nos da una visión estrecha.
  • BLOQUEOS AMBIENTALES: Es difícil concentrarse en una tarea creativa en un lugar en el que estemos incómodos o en el que se nos interrumpa constantemente; el espacio físico es importante para todo ser creativo como así también el entorno humano.

En mi caso el remedio para liberar dichos bloqueos, fue seguir proyectando, trabajando, de alguna manera ir sacando esas capas de tela de araña que no me dejaban percibir claramente. Una vez encontrado el “punto cero” (equilibrio entre cuerpo y mente,  para generar un movimiento limpio y concreto) todo fluye creativamente.

Un cuadro no se acaba nunca, tampoco se empieza nunca, un cuadro es como el viento: algo que camina siempre y sin descanso.- Joan Miro-

Se podría intentar haciendo varias rutinas que postee en otra nota para empezar a liberar esas capas de polvo que no nos dejan ver/percibir para volver a crear.

La Percepción Visual es un recurso creativo

La Percepción Visual es: un proceso activo con el cual el cerebro puede transformar la información lumínica captada por el ojo en una recreación de la realidad externa.

Podemos decir también que esta percepción pertenece al mundo individual interior, al proceso de interpretación del ser humano y al conocimiento de las cosas.

No es el ojo el que ve, sino la mente.

Las representaciones no son una copia exacta de la realidad, ya que en el proceso interno desde que entra la información visual hasta que dicha información es almacenada en la memoria, el cerebro selecciona, ordena e interpreta, y en este proceso la mente siempre modifica algo la realidad.

“Al percibir, construimos una parte de la realidad.”

Percepción visual = Observación sensorial directa + Imagen mental

Existen Leyes de Percepción Visual, a partir de los estudios psicológicos realizados a fines del siglo XIX y comienzos del XX cuando se fundó la Escuela de la Gestalt. El término gestalt significa en alemán “conjunto de objetos relacionados”, “estructura”, u “organización”. La Gestalt revolucionó en su día el conocimiento sobre la percepción, exponiendo la radical importancia del estudio de los elementos en conjuntos, en estructuras, es decir en un “todo relacionado”.
Establece como fundamento que un todo es diferente al mero amontonamiento de las sensaciones o elementos aislados que forman ese todo.
Aquí un breve detalle de las Leyes de Gestalt:

  • Ley de la Proximidad: Al observar tendemos a percibir como juntos o como un mismo objeto a los elementos mas cercanos. Cuanto más cerca estén los elementos, más tendemos a agruparlos como un todo.
    leyproximidad
  • Ley de Semejanza: Tendemos a agrupar los elementos de la misma clase. Los elementos de la composición que son similares en tamaño, color o forma, tendemos a verlos relacionados o agrupados.
  • Ley de la Continuidad: Si nos encontramos ante una imagen, los elementos orientados en la misma dirección tienden a organizarse.
  • Ley de Simetría: Las imágenes simétricas son percibidas como iguales, como un solo elemento, en la distancia. Aún sabiendo que la mitad de nuestro cuerpo no es exactamente igual a la otra mitad, al dividirlo, percibiremos dos partes simétricas ya que responden a un mismo patrón de formas. Las imágenes simétricas son percibidas como iguales.
    leysimetria
  • Ley de Cierre: Al observar una imagen tendemos a completar aquello que no se nos muestra del objeto. Efecto por el cual el observador tienden a cerrar, reintegrar y completar la información necesaria para conformar un objeto percibido. Aunque una figura se presente incompleta o discontinua, la percibimos completa, ya que nuestra mente la completa. Las formas cerradas y acabadas son más estables visualmente, lo que hace que tendamos a cerrar con la imaginación las formas no acabadas.
    leycierre
  • Ley de Contraste: Un elemento se distingue del resto por su singularidad o especificidad, por la forma, tamaño, color u otras cualidades propias del objeto.
  • Ley de Figura o Fondo: Cuando estamos observando una imagen siempre tendemos a separarla en una figura y un fondo para poder interpretarla. Cuando no somos capaces de distinguir claramente una figura sobre un fondo, se produce la mímesis y esto puede dar lugar a la ambigüedad.leyfigurafondo
  • Ley de Dirección: Si en la imagen aparecen elementos con una dirección determinada, hacen que fijemos nuestra atención allí a dónde se dirigen.
  • Ley de Pregnancia: Los elementos más simples son los preferidos en el proceso perceptivo, permiten sintetizar y “memorizar” las formas que componen la imagen. Decimos que una imagen es pregnante cuando es percibida con rapidez por el ojo humano, lo que capta nuestra atención en primer lugar. En diseño gráfico sin duda es muy importante utilizar este recurso para hacer que se vea más unas cosas u otras como por ejemplo la marca.

 

Acá les dejo un buen libro para conocer más sobre Percepción Visual y Arte: > Rudolf Arnheim – Arte y percepción Visual

Ser creativos, nos permite estar en continuo movimiento

La importancia de ejercitar la creatividad en cada uno de nosotros, es lo que nos permite mantenernos ágiles en el pensamiento, en la vida.

La pasión es nuestro motor creativo.
Salirse de la “zona de confort”: la creatividad implica intrínsecamente valentía, riesgo y atrevimiento.
La importancia de generar nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales, a través de la búsqueda del “elemento”

La técnica del proceso creativo incluye: Constancia, trabajo y
control.

CREATIVIDAD significa estar en continuo movimiento.

Habrá que experimentar. Estar alerta a las señales y generarse preguntas.
Levantarnos después de encontrarnos con los errores, o los caminos equivocados.
Disciplina en la gestión : los procesos de creatividad se caracterizan por un nivel elevado de esfuerzo, planificación, reiteración y retro-alimentación.

Beneficios de activar el “YO creativo”
– sentimiento de Libertad
– placer
– encontrar solución a los problemas

Definicion Creatividad: Es la habilidad de darle diferentes respuestas o soluciones al mismo problema

El arte estimula el desarrollo de la parte creativa del cerebro.
Todos los seres humanos, tenemos la necesidad de comunicar nuestros sentimientos y la manera cómo percibimos el mundo.
A los niños lo que les interesa no es el producto creado, sino vivenciar el placer de expresarse a través del arte, no es el fin, sino el medio de expresión lo más importante para ellos.

El arte es considerado una de las formas más naturales y espontáneas de la expresión infantil.
EL niño y la creatividad

Pilares básicos para el desarrollo creativo

Generando espacios activo modificantes

Fuente La Vanguardia

Desafío y compromiso: Hay que involucrar al estudiante en su propio proceso de aprendizaje y, para ello, hace falta presentar las actividades como un desafío acorde a sus habilidades, talento y conocimientos, y, al mismo tiempo, como algo novedoso con preguntas abiertas que propicien nuevas opciones (¿Qué pasaría si…? ¿Y por qué no…?)

Libertad: Dejar a los niños la posibilidad de elegir sobre actividades, espacios, materiales o formas de realizar un trabajo, o sobre las consecuencias de determinados comportamientos que perturben el trabajo del grupo. Han de entrenar su capacidad de tomar decisiones.

Juego y sentido del humor: Hay que promover el juego, la alegría y entusiasmo en clase. Se puede propiciar utilizando transformaciones insólitas de cuentos, frases o palabras, decorando el aula con caricaturas divertidas o jugando a transformar los temas con preguntas como ¿qué hubiera pasado sí…?

Confianza y apertura: Hay que promover el respeto a las diferencias a través del reconocimiento de que cada persona tiene talentos únicos, con sus fortalezas y debilidades, y trabajar la comunicación asertiva para que aprendan a dar y recibir opiniones de forma adecuada.

Apoyo a las ideas: Las ideas nuevas han de ser valoradas y nunca ridiculizadas por insólitas. En lugar de hacer juicios y evaluaciones prematuras, se trata de escuchar las propuestas y dar oportunidades de que se lleven a cabo, que los chavales realicen proyectos partiendo de sus propias inquietudes e intereses.

Tiempo para idear: Los tiempos han de flexibilizarse para que el niño pueda involucrarse y meterse en una actividad “a sus anchas” y crear oportunidades para que comenten las ideas novedosas e inquietudes que les han despertado algunas de las cosas que les han pasado en los últimos días.

Discusión o debate: Es importante que los niños puedan dar opiniones diferentes a la mayoría sin temor a ser criticados, y que aprendan a fundamentar sus análisis y críticas.

Toma de riesgos: La escuela debe permitir probar actividades nuevas sin que el resultado sea predecible y convertir los errores o resultados indeseados en oportunidades para aprender en lugar de fuente de rechazo o ridiculización.

Formación integral: La escuela ha de abordar tanto la formación intelectual como el desarrollo físico y emocional de los estudiantes para potenciar todos sus talentos y capacidades.

Evaluar los progresos: Implicar al estudiante en su aprendizaje y no penalizar el error significa apostar por la autocorrección, valorar los procesos más allá de los resultados, evaluar en función de los progresos y la consecución de metas en lugar de examinar los fallos.

Entorno físico estimulante: Fomentar la imaginación y la capacidad creativa requiere de un espacio físico (además de intelectual y emocional) creativo, de un entorno que facilite el movimiento, la libertad de elección y donde poder expresarse de diversas formas y a través de diferentes actividades.

 

 

Creando espacios activos modificantes a través del arte y el diseño

Los ambientes activos y modificantes favorecen el aprendizaje, el arte puede ser una herramienta muy positiva para el desarrollo de estos espacios tanto en el aula  como en la casa.

Partimos del principio:” Todos somos biológicamente creadores”

“Todos tenemos posibilidades de ser creativos e innovadores; biológicamente somos creadores, pero nos adaptamos al medio que nos toca vivir y ese medio puede fomentar la creatividad o no; en el caso concreto de la escuela, resultará creativa si dinamiza las potencialidades individuales, si favorece la flexibilidad mental, la originalidad, la inventiva, las nuevas ideas, la autonomía y, además, el desarrollo emocional y social” coincide Petra María Pérez, catedrática de Teoría de la Educación y miembro del Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València.

Los niños son naturalmente generadores de espacios modificantes, cuando se encuentran niños en un entorno, ellos mismos toman la iniciativa y generan sus propios mundos, sus interacciones, su crecimiento dentro de ese mundo, se sorprenden, ríen, aprenden generando diversos puntos de vistas de esas realidades creadas. Crean.

Es interesante notar que en esos momentos los pequeños están alegres y en permanente movimiento, a diferencia de lo que impone la cultura escolar donde se espera que permanezcan quietos, atentos y sin distraerse a lo que les dice la educadora y a las tareas que deben realizar, todo lo cual es imposible de lograr porque el niño y la niña son actividad pura. A medida que pasa el tiempo irán adaptándose y perdiendo la frescura de su indagación gratuita, que la hacen por el mero placer de aprender y que se complementa plenamente con el juego. Les encantan las emergencias, las incertidumbres y las improvisaciones.

La educación artística en los niños ayuda a promover estos espacios activos modificantes fácilmente. Ya que los niños usan el arte como una manera natural de expresión.

 

Cada estudiante y profesor es único e irrepetible gracias a su subjetividad, por lo que no debe inhibirse bajo ningún pretexto, sino desplegarse lúdica y rigurosamente, tal como el científico que busca y el artista que crea. Sin subjetividad no hay creación. (Csikszentmihalyi 1998)

 

Aquí es importante el papel que juega el mediador, el guía quien se ocupa en conocer las necesidades, características e intereses de sus estudiantes. En el taller de arte, el guía orienta el trabajo de cada estudiante a partir del lenguaje visual que cada uno va generando. Cada alumno tiene su propia forma de interpretar la realidad, y es ello lo que interesa potenciar. Siendo auto-críticos con la obra producida, independientes y encontrando alternativas para solucionar las problemáticas que se van presentando en el proceso creativo a través de las diferentes técnicas artísticas se logra una experiencia estética única, elevando nuestro ser al infinito.

El arte como experiencia.

Hacia 1934, el filósofo noerteamericano John Dewey postulaba una noción de “experiencia estética” que relaciona el arte con lo cotidiano, con el cuerpo, con la actividad y con la creación. Para Dewey, el arte no es algo lejano, esotérico, sino que tiene una función en nuestras vidas. El arte es una actividad experiencial, tanto en su producción como en su recepción. Las experiencias estéticas son manifestaciones de nuestro potencial para desarrollar una vida mejor, más digna, más inteligente, más justa.

Postular el arte como experiencia en la escuela lo sitúa al servicio de lo humano y su sensibilidad. Implica aunar en la enseñanza intelecto y emoción, sentimientos y razón, poniendo en acción todos los sentidos y el cuerpo, el cuerpo que juega, que late, y que también duele.

El arte está fuertemente ligado a lo vital, a la construcción identitaria, la expresión , la producción y el conocimiento.

Abordar el arte como experiencia en la escuela implica enseñar a los chicos, chicas y jóvenes a crear con sentidos propios, conectados consigo mismos pero a la vez involucrados con su entorno y con los otros; implica además asumir el reto de formarlos para que sean receptores lúcidos, críticos, curiososos, informados, deseantes y capaces también de vibrar de emoción.

La experiencia estética no se confunde con la técnica que utiliza el artista, ni con las que utiliza el destinatario que disfruta de la obra de arte. Para Dewey, todo conocimiento auténtico depende de la autocreación del sujeto originada por su propia creatividad.

La acción creativa es una interacción con el medio que nos modifica, desde los dibujos infantiles hasta las creaciones de Rembrandt exigen una adaptación activa al material externo que implica una modificación del individuo para incorporarlas a una visión y expresión individuales (Genari, 1997; Feeland, 2003, extraído del libro “El arte en la enseñanza” por Gabriela Augustowsky)

Las experiencias estéticas son así manifestaciones de nuestro potencial para desarrollar una vida mas digna e inteligente.

El arte forma parte de la vida cotidiana de la escuela y es un modo de conocer el mundo en el que intervienen las emociones, pero también la razón y el cuerpo.

Entonces, concebir el arte como experiencia significa diseñar actividades, proyectos, propuestas en las que chicos, chicas y jóvenes sean incitados a ocupar la escena en un movimiento que los involucre personalmente, íntimamente; que los convoquen de modo genuino a la construcción de sentidos propios para repensarse individual y colectivamente a través del arte.

El arte es un “hacer”, una acción, en los niños/niñas un lenguaje de expresión natural,  entonces si le dan a los alumnos algo que hacer, no algo que aprender; y si el hacer es de tal naturaleza que demanda el pensar o la toma de conciencia de las conexiones; el aprendizaje es un resultado natural.

La experiencia estética nos revela lo que es la creatividad

(según Alfonso López Quintás en la obra “El valor formativo de la experiencia estética“)

El hombre es un “ser de encuentro” (Rof Carballo); se constituye, desarrolla y perfecciona realizando encuentros con las realidades circundantes. Estas realidades pueden ser nuestras compañeras de juego y de encuentro si los vemos como “ámbitos”, no sólo como “objetos”. Esta forma de ver exige de nosotros toda una conversión, un cambio de ideal. Del ideal del dominio, posesión y control hemos de pasar al ideal de respeto, de unidad y de solidaridad.

La creatividad es siempre dual, supone un sujeto dotado de potencias y un entorno capaz de otorgarle diversas posibilidades. Una persona puede estar muy bien dotada, pero a solas no puede ser creativa. Necesita recibir posibilidades de fuera, es decir, de realidades que en principio le son distintas, distantes, externas y extrañas. El que interprete el esquema “dentro-fuera” como un dilema será incapaz de adivinar que es posible convertir lo distinto, distante, externo y extraño en íntimo sin dejar de ser distinto. Tal incapacidad le imposibilita para asumir activamente las posibilidades que le vengan ofrecidas. Esa asunción activa es la creatividad.

 

“Cuando se habla de fomentar la creatividad en la escuela no se está hablando de reforzar la enseñanza de las artes plásticas o de la música, sino de enseñar a salirse de las rutas trazadas, enseñar a innovar: “Creativo es quien produce algo nuevo y valioso, y ese algo no necesariamente ha de ser una obra de arte; puede ser una idea, una solución a un problema, un nuevo producto…”, explica Pérez.

 

Buenas razones para potenciar el arte en los niños.

Traducido de “20 Reasons” por Norbertha Torres, Museo “MOCHA:The Museum of Children’s Art” en Oakland.

Importancia de la educación artística en los niños

1. El arte estimula ambos lados del cerebro.
2. El 33% de los niños son aprendices visuales.
3. Hay estudios que demuestran que los niños que hacen arte: leen mejor y sacan mejores notas en matemáticas y ciencias.
4. Los niños aprenden usando sus sentidos y el arte es ideal en este proceso.
5. Los niños necesitan un lugar en la escuela para expresarse.
6. El arte promueve la autoestima.
7. El arte estimula a los niños a prestar más atención al espacio físico que los rodea.
8. El arte desarrolla la coordinación entre los ojos y las manos.
9. El arte estimula el desarrollo perceptivo.
10. El arte enseña a pensar dejando finales abiertos. Representa una cultura de preguntas más que una cultura de respuestas.
11. El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema.
12. El arte enseña a los niños a pensar creativamente para resolver problemas.
13. Los niños pueden compartir y reflexionar acerca de sus trabajos de arte y aprender algo de sí mismos y el mundo en el que viven.
14. Cuando el arte está integrado a otras materias del programa escolar, los niños se comprometen más en el proceso de aprendizaje.
15. En el proceso de hacer arte el niño está expuesto a diferentes posibilidades, al descubrimiento, y a la libertad, de esta manera se evita caer en el control y predictibililidad de la educación convencional encontrada en los Estados Unidos de hoy en día.
16. El arte nutre el alma humana. Se siente bien haciéndolo.
17. El arte trae los recursos culturales de la comunidad dentro de la clase.
18. El arte involucra a padres y tutores en la escuela invitándolos a participar como voluntarios en diversas actividades.
19. El arte proporciona un medio, un piso en común, para atravesar estereotipos raciales, barreras y prejuicios.
20. El arte es valioso por sí mismo.

Entonces comencemos a valorar lo que nuestros niños están queriendo comunicar, potenciando ese valor natural que tienen.

Guía para padres

¿Qué les digo a los Niños sobre su Arte?

Demuestre su interés:

Dime sobre tu pintura.

  • ¿Me quieres decir algo sobre esto, o solamente mostrármelo?
  • ¿Cómo lo hiciste?
  • ¿Aprendiste algo nuevo?
  • ¿Qué hiciste primero?
  • Aléjate de tu obra de arte, ¿se ve diferente? ¿Igual? ¿Cómo? ¿Por qué?
  • ¿Cuál es tu parte favorita?
  • ¿Qué te gustó más hacer?

Solamente describa lo que ve:

  • Veo algo de púrpura, naranja y verde. Parece que mezclaste algunos colores secundarios.
  • ¡Impresionante! En verdad estabas escuchando las indicaciones, mira como tu….
  • Mira como colocaste la…
  • ¡Te tomas tu tiempo y haces decisiones cuidadosas!
  • ¡Impresionante! Usaste tantas y tan diferentes pinceladas!

No juzgue (bueno/malo, agrado/desagrado):

Me gusta la manera…
Aprecio cómo…
Estoy orgulloso de ti por…
Admiro…
Noto…
Veo la atención que pusiste a…

Hábitos diarios para artistas para destrabar la creatividad

Es importante mantener una rutina diaria para poder ejercitar nuestro yo creativo y mantenerlo en el tiempo, es un ejercicio mental que nos ayuda a mantenernos ágiles en el desarrollo cognitivo.

La escritora Danielle Krysa, ha compilado una colección de entrevista a todo tipo de artistas y como resultado ha publicado el libro “Creative Block“.

A continuación algunos hábitos diarios que pueden ayudar a desbloquear el punto creativo.

  • 1. Deja atrás la idea de que te tiene que quedar “perfecto” de entrada.
  • 2. Permítete divertirte en el proceso.
  • 3. No tengas miedo en hacer callar tu crítica interior.
  • 4. Entiende que vos mismo podes ser tu peor enemigo. No la obra.
  • 5. Pero no todos los límites auto-impuestos son malos. dentro de esos ciertos límites hay libertad y juego.
  • 6. Encuentra tu mandra y mantenlo cerca. Por ejemplo “un artista no puede fallar, es un éxito si ya eres uno”-fotógrafo alemán Matthias Heiderich
  • 7. Establece “tu” tiempo – por las mañanas me gusta tomar mates bien temprano y chusmear en pinterest.
  • 6. Y disfrutar de algunos vicios – salidas con amigos, intimidad, buenos tragos con buena música, etc. y luego es como si estuvieras recetado 🙂
  • 7. Humillese un poco de vez en cuando – “no soy un genio, y mi trabajo es el reflejo de mi particular yo interior”, al menos uno no se ofende con el pensamiento del otro.
  • 8. Cuando esta con la duda, pregunte
  • 9. Estar preparado para inspirarse en sitios mundanos
  • 10. Para aclarar tus ideas, tal vez te sirva limpiar tu espacio de trabajo primero.-

El resto de los hábitos en un próximo capitulo :), estén atentos! mientras el punto 7 a terminado por hoy 🙂

Igualmente presten atención a esto: Los momentos mágicos de creación, EUREKA!, por lo general ocurren luego de largos periodos de preparación, incubación y se destraban una vez que la mente está relajada.

Arte y diseño digital, juegos para pantallas táctiles

BuddhaFinger Game, iOs, android, windows
BuddhaFinger Game, iOs, android, windows

Participar en este proyecto, junto con la cooperativa de desarrolladores freelance de Lady Shotgun Ld. como la encargada del diseño, concepto gráfico e ilustración, fue todo un desafío para mi, que vengo del mundo artístico y del diseño gráfico, me divertí mucho creando los personajes, armando poses de Kung-Fu, y diseñando la interfaz visual del juego en si.Lograr una gráfica que permitiera entender rápidamente la funcionalidad de cada botón fue donde hicimos mayor incapié. Prestar atención a la experiencia de usuario UX fue fundamental.

Con una estética innovadora para este tipo de juegos, Buddha Finger, salió al mercado a finales de octubre de 2012 y ha llegado a estar junto con los mejores juegos para smartphones por ejemplo dentro de los Top 12 en 2012 por Virgin Media, entre otros.

En tienda de US Windows Phone Stores catalogado como -The Next Big Thing- en desarrolladores independientes 2013.

“this is a neat casual beat-em-up in which characters are defeated by swiping on-screen numbers in the correct order, occasionally tapping wildly when the icon demands. It has the feel of a Wario or Bishi Bashi mini-game and the crucial touch UI is wonderfully implemented. Due out in the autumn, this is really promising.” Keith Stuart | The Guardian online games blog

 

Acá les dejo una demo de este divertido y adictivo juego para touchscreen:

La prestigiosa revista Gamezebo nos dio un puntaje de 5 estrellas, acá les dejo en enlace para conocer más sobre las repercusiones online de este juego adictivo.

La revista de comics DC también nos publicó una nota donde se explica como fue la experiencia de desarrollar un juego digital de manera independiente > Entrevisa a los desarrolladores de Buddha finger