La Percepción Visual es un recurso creativo

La Percepción Visual es: un proceso activo con el cual el cerebro puede transformar la información lumínica captada por el ojo en una recreación de la realidad externa.

Podemos decir también que esta percepción pertenece al mundo individual interior, al proceso de interpretación del ser humano y al conocimiento de las cosas.

No es el ojo el que ve, sino la mente.

Las representaciones no son una copia exacta de la realidad, ya que en el proceso interno desde que entra la información visual hasta que dicha información es almacenada en la memoria, el cerebro selecciona, ordena e interpreta, y en este proceso la mente siempre modifica algo la realidad.

“Al percibir, construimos una parte de la realidad.”

Percepción visual = Observación sensorial directa + Imagen mental

Existen Leyes de Percepción Visual, a partir de los estudios psicológicos realizados a fines del siglo XIX y comienzos del XX cuando se fundó la Escuela de la Gestalt. El término gestalt significa en alemán “conjunto de objetos relacionados”, “estructura”, u “organización”. La Gestalt revolucionó en su día el conocimiento sobre la percepción, exponiendo la radical importancia del estudio de los elementos en conjuntos, en estructuras, es decir en un “todo relacionado”.
Establece como fundamento que un todo es diferente al mero amontonamiento de las sensaciones o elementos aislados que forman ese todo.
Aquí un breve detalle de las Leyes de Gestalt:

  • Ley de la Proximidad: Al observar tendemos a percibir como juntos o como un mismo objeto a los elementos mas cercanos. Cuanto más cerca estén los elementos, más tendemos a agruparlos como un todo.
    leyproximidad
  • Ley de Semejanza: Tendemos a agrupar los elementos de la misma clase. Los elementos de la composición que son similares en tamaño, color o forma, tendemos a verlos relacionados o agrupados.
  • Ley de la Continuidad: Si nos encontramos ante una imagen, los elementos orientados en la misma dirección tienden a organizarse.
  • Ley de Simetría: Las imágenes simétricas son percibidas como iguales, como un solo elemento, en la distancia. Aún sabiendo que la mitad de nuestro cuerpo no es exactamente igual a la otra mitad, al dividirlo, percibiremos dos partes simétricas ya que responden a un mismo patrón de formas. Las imágenes simétricas son percibidas como iguales.
    leysimetria
  • Ley de Cierre: Al observar una imagen tendemos a completar aquello que no se nos muestra del objeto. Efecto por el cual el observador tienden a cerrar, reintegrar y completar la información necesaria para conformar un objeto percibido. Aunque una figura se presente incompleta o discontinua, la percibimos completa, ya que nuestra mente la completa. Las formas cerradas y acabadas son más estables visualmente, lo que hace que tendamos a cerrar con la imaginación las formas no acabadas.
    leycierre
  • Ley de Contraste: Un elemento se distingue del resto por su singularidad o especificidad, por la forma, tamaño, color u otras cualidades propias del objeto.
  • Ley de Figura o Fondo: Cuando estamos observando una imagen siempre tendemos a separarla en una figura y un fondo para poder interpretarla. Cuando no somos capaces de distinguir claramente una figura sobre un fondo, se produce la mímesis y esto puede dar lugar a la ambigüedad.leyfigurafondo
  • Ley de Dirección: Si en la imagen aparecen elementos con una dirección determinada, hacen que fijemos nuestra atención allí a dónde se dirigen.
  • Ley de Pregnancia: Los elementos más simples son los preferidos en el proceso perceptivo, permiten sintetizar y “memorizar” las formas que componen la imagen. Decimos que una imagen es pregnante cuando es percibida con rapidez por el ojo humano, lo que capta nuestra atención en primer lugar. En diseño gráfico sin duda es muy importante utilizar este recurso para hacer que se vea más unas cosas u otras como por ejemplo la marca.

 

Acá les dejo un buen libro para conocer más sobre Percepción Visual y Arte: > Rudolf Arnheim – Arte y percepción Visual

Creando espacios activos modificantes a través del arte y el diseño

Los ambientes activos y modificantes favorecen el aprendizaje, el arte puede ser una herramienta muy positiva para el desarrollo de estos espacios tanto en el aula  como en la casa.

Partimos del principio:” Todos somos biológicamente creadores”

“Todos tenemos posibilidades de ser creativos e innovadores; biológicamente somos creadores, pero nos adaptamos al medio que nos toca vivir y ese medio puede fomentar la creatividad o no; en el caso concreto de la escuela, resultará creativa si dinamiza las potencialidades individuales, si favorece la flexibilidad mental, la originalidad, la inventiva, las nuevas ideas, la autonomía y, además, el desarrollo emocional y social” coincide Petra María Pérez, catedrática de Teoría de la Educación y miembro del Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València.

Los niños son naturalmente generadores de espacios modificantes, cuando se encuentran niños en un entorno, ellos mismos toman la iniciativa y generan sus propios mundos, sus interacciones, su crecimiento dentro de ese mundo, se sorprenden, ríen, aprenden generando diversos puntos de vistas de esas realidades creadas. Crean.

Es interesante notar que en esos momentos los pequeños están alegres y en permanente movimiento, a diferencia de lo que impone la cultura escolar donde se espera que permanezcan quietos, atentos y sin distraerse a lo que les dice la educadora y a las tareas que deben realizar, todo lo cual es imposible de lograr porque el niño y la niña son actividad pura. A medida que pasa el tiempo irán adaptándose y perdiendo la frescura de su indagación gratuita, que la hacen por el mero placer de aprender y que se complementa plenamente con el juego. Les encantan las emergencias, las incertidumbres y las improvisaciones.

La educación artística en los niños ayuda a promover estos espacios activos modificantes fácilmente. Ya que los niños usan el arte como una manera natural de expresión.

 

Cada estudiante y profesor es único e irrepetible gracias a su subjetividad, por lo que no debe inhibirse bajo ningún pretexto, sino desplegarse lúdica y rigurosamente, tal como el científico que busca y el artista que crea. Sin subjetividad no hay creación. (Csikszentmihalyi 1998)

 

Aquí es importante el papel que juega el mediador, el guía quien se ocupa en conocer las necesidades, características e intereses de sus estudiantes. En el taller de arte, el guía orienta el trabajo de cada estudiante a partir del lenguaje visual que cada uno va generando. Cada alumno tiene su propia forma de interpretar la realidad, y es ello lo que interesa potenciar. Siendo auto-críticos con la obra producida, independientes y encontrando alternativas para solucionar las problemáticas que se van presentando en el proceso creativo a través de las diferentes técnicas artísticas se logra una experiencia estética única, elevando nuestro ser al infinito.

El arte como experiencia.

Hacia 1934, el filósofo noerteamericano John Dewey postulaba una noción de “experiencia estética” que relaciona el arte con lo cotidiano, con el cuerpo, con la actividad y con la creación. Para Dewey, el arte no es algo lejano, esotérico, sino que tiene una función en nuestras vidas. El arte es una actividad experiencial, tanto en su producción como en su recepción. Las experiencias estéticas son manifestaciones de nuestro potencial para desarrollar una vida mejor, más digna, más inteligente, más justa.

Postular el arte como experiencia en la escuela lo sitúa al servicio de lo humano y su sensibilidad. Implica aunar en la enseñanza intelecto y emoción, sentimientos y razón, poniendo en acción todos los sentidos y el cuerpo, el cuerpo que juega, que late, y que también duele.

El arte está fuertemente ligado a lo vital, a la construcción identitaria, la expresión , la producción y el conocimiento.

Abordar el arte como experiencia en la escuela implica enseñar a los chicos, chicas y jóvenes a crear con sentidos propios, conectados consigo mismos pero a la vez involucrados con su entorno y con los otros; implica además asumir el reto de formarlos para que sean receptores lúcidos, críticos, curiososos, informados, deseantes y capaces también de vibrar de emoción.

La experiencia estética no se confunde con la técnica que utiliza el artista, ni con las que utiliza el destinatario que disfruta de la obra de arte. Para Dewey, todo conocimiento auténtico depende de la autocreación del sujeto originada por su propia creatividad.

La acción creativa es una interacción con el medio que nos modifica, desde los dibujos infantiles hasta las creaciones de Rembrandt exigen una adaptación activa al material externo que implica una modificación del individuo para incorporarlas a una visión y expresión individuales (Genari, 1997; Feeland, 2003, extraído del libro “El arte en la enseñanza” por Gabriela Augustowsky)

Las experiencias estéticas son así manifestaciones de nuestro potencial para desarrollar una vida mas digna e inteligente.

El arte forma parte de la vida cotidiana de la escuela y es un modo de conocer el mundo en el que intervienen las emociones, pero también la razón y el cuerpo.

Entonces, concebir el arte como experiencia significa diseñar actividades, proyectos, propuestas en las que chicos, chicas y jóvenes sean incitados a ocupar la escena en un movimiento que los involucre personalmente, íntimamente; que los convoquen de modo genuino a la construcción de sentidos propios para repensarse individual y colectivamente a través del arte.

El arte es un “hacer”, una acción, en los niños/niñas un lenguaje de expresión natural,  entonces si le dan a los alumnos algo que hacer, no algo que aprender; y si el hacer es de tal naturaleza que demanda el pensar o la toma de conciencia de las conexiones; el aprendizaje es un resultado natural.

La experiencia estética nos revela lo que es la creatividad

(según Alfonso López Quintás en la obra “El valor formativo de la experiencia estética“)

El hombre es un “ser de encuentro” (Rof Carballo); se constituye, desarrolla y perfecciona realizando encuentros con las realidades circundantes. Estas realidades pueden ser nuestras compañeras de juego y de encuentro si los vemos como “ámbitos”, no sólo como “objetos”. Esta forma de ver exige de nosotros toda una conversión, un cambio de ideal. Del ideal del dominio, posesión y control hemos de pasar al ideal de respeto, de unidad y de solidaridad.

La creatividad es siempre dual, supone un sujeto dotado de potencias y un entorno capaz de otorgarle diversas posibilidades. Una persona puede estar muy bien dotada, pero a solas no puede ser creativa. Necesita recibir posibilidades de fuera, es decir, de realidades que en principio le son distintas, distantes, externas y extrañas. El que interprete el esquema “dentro-fuera” como un dilema será incapaz de adivinar que es posible convertir lo distinto, distante, externo y extraño en íntimo sin dejar de ser distinto. Tal incapacidad le imposibilita para asumir activamente las posibilidades que le vengan ofrecidas. Esa asunción activa es la creatividad.

 

“Cuando se habla de fomentar la creatividad en la escuela no se está hablando de reforzar la enseñanza de las artes plásticas o de la música, sino de enseñar a salirse de las rutas trazadas, enseñar a innovar: “Creativo es quien produce algo nuevo y valioso, y ese algo no necesariamente ha de ser una obra de arte; puede ser una idea, una solución a un problema, un nuevo producto…”, explica Pérez.

 

Buenas razones para potenciar el arte en los niños.

Traducido de “20 Reasons” por Norbertha Torres, Museo “MOCHA:The Museum of Children’s Art” en Oakland.

Importancia de la educación artística en los niños

1. El arte estimula ambos lados del cerebro.
2. El 33% de los niños son aprendices visuales.
3. Hay estudios que demuestran que los niños que hacen arte: leen mejor y sacan mejores notas en matemáticas y ciencias.
4. Los niños aprenden usando sus sentidos y el arte es ideal en este proceso.
5. Los niños necesitan un lugar en la escuela para expresarse.
6. El arte promueve la autoestima.
7. El arte estimula a los niños a prestar más atención al espacio físico que los rodea.
8. El arte desarrolla la coordinación entre los ojos y las manos.
9. El arte estimula el desarrollo perceptivo.
10. El arte enseña a pensar dejando finales abiertos. Representa una cultura de preguntas más que una cultura de respuestas.
11. El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema.
12. El arte enseña a los niños a pensar creativamente para resolver problemas.
13. Los niños pueden compartir y reflexionar acerca de sus trabajos de arte y aprender algo de sí mismos y el mundo en el que viven.
14. Cuando el arte está integrado a otras materias del programa escolar, los niños se comprometen más en el proceso de aprendizaje.
15. En el proceso de hacer arte el niño está expuesto a diferentes posibilidades, al descubrimiento, y a la libertad, de esta manera se evita caer en el control y predictibililidad de la educación convencional encontrada en los Estados Unidos de hoy en día.
16. El arte nutre el alma humana. Se siente bien haciéndolo.
17. El arte trae los recursos culturales de la comunidad dentro de la clase.
18. El arte involucra a padres y tutores en la escuela invitándolos a participar como voluntarios en diversas actividades.
19. El arte proporciona un medio, un piso en común, para atravesar estereotipos raciales, barreras y prejuicios.
20. El arte es valioso por sí mismo.

Entonces comencemos a valorar lo que nuestros niños están queriendo comunicar, potenciando ese valor natural que tienen.

Guía para padres

¿Qué les digo a los Niños sobre su Arte?

Demuestre su interés:

Dime sobre tu pintura.

  • ¿Me quieres decir algo sobre esto, o solamente mostrármelo?
  • ¿Cómo lo hiciste?
  • ¿Aprendiste algo nuevo?
  • ¿Qué hiciste primero?
  • Aléjate de tu obra de arte, ¿se ve diferente? ¿Igual? ¿Cómo? ¿Por qué?
  • ¿Cuál es tu parte favorita?
  • ¿Qué te gustó más hacer?

Solamente describa lo que ve:

  • Veo algo de púrpura, naranja y verde. Parece que mezclaste algunos colores secundarios.
  • ¡Impresionante! En verdad estabas escuchando las indicaciones, mira como tu….
  • Mira como colocaste la…
  • ¡Te tomas tu tiempo y haces decisiones cuidadosas!
  • ¡Impresionante! Usaste tantas y tan diferentes pinceladas!

No juzgue (bueno/malo, agrado/desagrado):

Me gusta la manera…
Aprecio cómo…
Estoy orgulloso de ti por…
Admiro…
Noto…
Veo la atención que pusiste a…

¿Todas las expresiones infantiles son arte?

¿Los dibujos que realizan los niños y niñas desde muy temprana edad, son arte?

En el año 1887 Corrado Ricci (1858-1934) publica en Italia L’arte dei bambini e instala la polémica sobre si considerar arte o no a este tipo de creaciones. Él fue quien reconoció por primera vez en la historia , que el dibujo infantil posee un encanto especial que lo sitúa muy cerca de la expresión artística. Sostenía que el niño no representa lo que ve sino lo que sabe y recuerda, dibuja lo que más le impacta o interesa, pone su atención en los detalles, las particularidades y sus impresiones momentáneas. Para Ricci, la representación gráfica infantil no consitutuye un problema óptico sino una cuestión mental, emotiva (Effland, 1990; Genari,1997, El Arte en la enseñanza, Gabriela Augustowsky))

En sintonía con los desarrollos de la psicología, la pedagogía y las nuevas definiciones de infancia, las vanguardias artísticas “historicas”- de las primeras décadas del siglo XX-asumen la defensa del arte infantil. Todos los aspectos que hasta entonces habían sido considerados negativos, como la espontenidad, la emotividad, la soltura del trazo, ver el mundo sin ataduras ni preconcepciones esteticistas, comienzan a ser valorados y definidos como pertenecientes al campo artístico. El artista y educador vienés Franc Cisek (1865-1946), vinculado al movimiento de la Secesión Vianesa, fue uno de los muchos que tomó como inspiración las creaciones infantiles y sostuvo enfáticamente que los niños eran artistas.

Fue Cisek quien inspiró a  John Dewey (quien habla sobre el arte como una actividad experiencial) para fundar el Children’s Art Centre en el Art Gallery of Toronto en 1933

 

 

Exposición virtual de obras artísticas hechas por niños y niñas del taller entre 4 y 12 años

Técnica mixta, Erika, 8 años
Técnica mixta, Erika, 8 años
Resultado taller experimental Cecilia de 11 años
Resultado taller experimental Cecilia de 11 años
dibujo y pintura niña de 9 años
dibujo y pintura niña de 9 años
Collage, Francesca, 12 años
Collage, Francesca, 12 años