Buenas razones para potenciar el arte en los niños.

Traducido de “20 Reasons” por Norbertha Torres, Museo “MOCHA:The Museum of Children’s Art” en Oakland.

Importancia de la educación artística en los niños

1. El arte estimula ambos lados del cerebro.
2. El 33% de los niños son aprendices visuales.
3. Hay estudios que demuestran que los niños que hacen arte: leen mejor y sacan mejores notas en matemáticas y ciencias.
4. Los niños aprenden usando sus sentidos y el arte es ideal en este proceso.
5. Los niños necesitan un lugar en la escuela para expresarse.
6. El arte promueve la autoestima.
7. El arte estimula a los niños a prestar más atención al espacio físico que los rodea.
8. El arte desarrolla la coordinación entre los ojos y las manos.
9. El arte estimula el desarrollo perceptivo.
10. El arte enseña a pensar dejando finales abiertos. Representa una cultura de preguntas más que una cultura de respuestas.
11. El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema.
12. El arte enseña a los niños a pensar creativamente para resolver problemas.
13. Los niños pueden compartir y reflexionar acerca de sus trabajos de arte y aprender algo de sí mismos y el mundo en el que viven.
14. Cuando el arte está integrado a otras materias del programa escolar, los niños se comprometen más en el proceso de aprendizaje.
15. En el proceso de hacer arte el niño está expuesto a diferentes posibilidades, al descubrimiento, y a la libertad, de esta manera se evita caer en el control y predictibililidad de la educación convencional encontrada en los Estados Unidos de hoy en día.
16. El arte nutre el alma humana. Se siente bien haciéndolo.
17. El arte trae los recursos culturales de la comunidad dentro de la clase.
18. El arte involucra a padres y tutores en la escuela invitándolos a participar como voluntarios en diversas actividades.
19. El arte proporciona un medio, un piso en común, para atravesar estereotipos raciales, barreras y prejuicios.
20. El arte es valioso por sí mismo.

Entonces comencemos a valorar lo que nuestros niños están queriendo comunicar, potenciando ese valor natural que tienen.

Guía para padres

¿Qué les digo a los Niños sobre su Arte?

Demuestre su interés:

Dime sobre tu pintura.

  • ¿Me quieres decir algo sobre esto, o solamente mostrármelo?
  • ¿Cómo lo hiciste?
  • ¿Aprendiste algo nuevo?
  • ¿Qué hiciste primero?
  • Aléjate de tu obra de arte, ¿se ve diferente? ¿Igual? ¿Cómo? ¿Por qué?
  • ¿Cuál es tu parte favorita?
  • ¿Qué te gustó más hacer?

Solamente describa lo que ve:

  • Veo algo de púrpura, naranja y verde. Parece que mezclaste algunos colores secundarios.
  • ¡Impresionante! En verdad estabas escuchando las indicaciones, mira como tu….
  • Mira como colocaste la…
  • ¡Te tomas tu tiempo y haces decisiones cuidadosas!
  • ¡Impresionante! Usaste tantas y tan diferentes pinceladas!

No juzgue (bueno/malo, agrado/desagrado):

Me gusta la manera…
Aprecio cómo…
Estoy orgulloso de ti por…
Admiro…
Noto…
Veo la atención que pusiste a…

Creatividad, talento, pasión artística

Esas relaciones mágicas que nos proveen tranquilidad a nuestro cerebro

El proceso para llegar a hacer una obra original

Punto 0

Cuando estamos comenzando a crear una obra, (llamémosle “punto cero”) tenemos una leve idea de lo que queremos hacer, o por ahí ninguna, pero en ambos casos nos ponemos a trabajar, comenzamos a bocetar, a manchar la hoja/tela/soporte, en resumidas palabras comenzamos a amasar la masa.

En ese momento comenzamos a comunicarnos con la materia. Nuestro consciente pasa a un estado inconsciente y se queda jugando allí con esa materia. Ese punto es el punto de pura concentración, el punto de tranquilidad, de seguridad que encontramos a la hora de estar creando algo.

Paso 1

Luego en un momento dado, salimos de ese éxtasis maravilloso para observar lo que hemos hecho, y nos asombramos. Vemos lo bueno y los errores que hemos cometido, y volvemos a sumergirnos en ese estado de pura belleza para solucionar los errores. Allí entra en juego el talento que hemos ido desarrollando, donde cometemos errores y nos damos cuenta de ellos para ir solucionándolos de manera adecuada y seguir avanzando.

Pasado un pequeño tiempo de desarrollo, hemos avanzado en la creación de esa pieza. En el “punto cero” no teníamos nada, eran solo pensamientos/palabras/ideas/miedos, ahora ya tenemos “algo material/visual” pasamos al “punto uno”.

A partir de ahí podemos estar opinando, corrigiendo, intercambiando datos, para que la obra me sorprenda, me emocione, y trabajamos sobre ella hasta que decidamos darla por acabada y podemos mostrarla, aquí la pasión por el arte es lo que nos da la fuerza para terminar la obra.

Paso 2

A partir de allí pasamos al “punto dos”: la obra es exhibida, la obra se comunica con los espectadores, y los espectadores con ella.

En el producto, obra final, podemos apreciar si hubo o no hubo creatividad, si existió la búsqueda de lo desconocido para traerlo al mundo, hacer realidad algo que en ese momento cero no estaba existiendo aún.

La creatividad es la creación de cosas nuevas, para ello hay que indagar, experimentar en lo desconocido para poder descubrir relaciones nuevas, allí surgen errores, correcciones, errores, correcciones, hasta llegar a obtener un buen resultado.
Ese proceso es propio de cada uno, es el camino obligado para desarrollar la creatividad, el talento que emociona.
La comunicación directa entre la materia y el ser humano, para obtener una obra artística bella, dependerá del talento, de la emoción que pueda transmitir el artista al espectador.

La pasión nos lleva a estar en constante movimiento de búsqueda de lo bello, potenciando el talento que cada uno tiene a través de esa inteligencia que deslumbra, que nos mantuvo alerta, intuitivos para poder resolver los problemas, dando sentido a todo lo experimentado, descubierto.

La belleza, el placer estético y la proporción áurea

Como artista que soy, encuentro en el proceso creativo, el placer de sumergirme en otro mundo, en un mundo suave y seguro, donde gozo de plena felicidad.

Por otro lado, el placer estético lo encuentro en el deleite emocional que me transmite una obra bella.

La cosa más bella que podemos experimentar es lo misterioso. Es la emoción fundamental que hallamos en la cuna del auténtico arte y ciencia. Aquel que ya lo conoce y ya no puede hacerse preguntas, quien ya no tiene asombro, está muerto, no es más que una vela apagada.
Albert Einstein

Se dice que hay parámetros matemáticos determinantes para resolver si una obra es bella. El número de oro, proporción áurea o número Pi son los responsables de dicho orden visual.

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Con este razonamiento se obtiene: Φ el número de oro.

Φ =[ 1 + √5]/ 2 = 1,618033989…

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El número áureo surge de la división en dos de un segmento guardando las siguientes proporciones: La longitud total a+b es al segmento más largo a, como a es al segmento más corto b.

También existe una relación del número Pi con la relación de Fibonaci, como así también con el pentágono.
corpodavincifibonacci

Por ejemplo en diseño gráfico curiosamente las marcas con proporciones bellas sacan proporciones áureas:
national_geographic_logo_proporcion-aurea

apple_logo_proporcionaurea

pepsi_logo_proporcionaurea

toyota_logo_proporcion-aurea

Es decir, a modo práctico esta regla puede expresarse también como la regla de los tercios:
proporcion-aureo

regla-de-tercios

regla-tercios

Donde los 4 puntos que forman los cruces de las verticales y horizontales son los puntos más importantes de una imagen.

 

En las interfaces web, también podemos hallar este número irracional que conlleva mucha verdad en impacto visual, por ejemplo la distribución de contenido en la web de twitter.

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¿Todas las expresiones infantiles son arte?

¿Los dibujos que realizan los niños y niñas desde muy temprana edad, son arte?

En el año 1887 Corrado Ricci (1858-1934) publica en Italia L’arte dei bambini e instala la polémica sobre si considerar arte o no a este tipo de creaciones. Él fue quien reconoció por primera vez en la historia , que el dibujo infantil posee un encanto especial que lo sitúa muy cerca de la expresión artística. Sostenía que el niño no representa lo que ve sino lo que sabe y recuerda, dibuja lo que más le impacta o interesa, pone su atención en los detalles, las particularidades y sus impresiones momentáneas. Para Ricci, la representación gráfica infantil no consitutuye un problema óptico sino una cuestión mental, emotiva (Effland, 1990; Genari,1997, El Arte en la enseñanza, Gabriela Augustowsky))

En sintonía con los desarrollos de la psicología, la pedagogía y las nuevas definiciones de infancia, las vanguardias artísticas “historicas”- de las primeras décadas del siglo XX-asumen la defensa del arte infantil. Todos los aspectos que hasta entonces habían sido considerados negativos, como la espontenidad, la emotividad, la soltura del trazo, ver el mundo sin ataduras ni preconcepciones esteticistas, comienzan a ser valorados y definidos como pertenecientes al campo artístico. El artista y educador vienés Franc Cisek (1865-1946), vinculado al movimiento de la Secesión Vianesa, fue uno de los muchos que tomó como inspiración las creaciones infantiles y sostuvo enfáticamente que los niños eran artistas.

Fue Cisek quien inspiró a  John Dewey (quien habla sobre el arte como una actividad experiencial) para fundar el Children’s Art Centre en el Art Gallery of Toronto en 1933

 

 

Exposición virtual de obras artísticas hechas por niños y niñas del taller entre 4 y 12 años

Técnica mixta, Erika, 8 años
Técnica mixta, Erika, 8 años
Resultado taller experimental Cecilia de 11 años
Resultado taller experimental Cecilia de 11 años
dibujo y pintura niña de 9 años
dibujo y pintura niña de 9 años
Collage, Francesca, 12 años
Collage, Francesca, 12 años

Propiedades del color

Matiz, Tono o Valor, e Intensidad o croma son las propiedades del color

En colormetría, el sistema de Munsell especifica el color en 3 dimensiones: el hue/matiz, el tono/value o valor/luminosidad y el croma/chroma o intensidad/pureza del color. Fue creado por el profesor Albert H. Munsell en la primera década del siglo XX y adaptado por la USDA como el sistema oficial de color.

tono, valor, intensidad
tono, valor, intensidad

Matiz: rojo, verde, amarillo, amarillo verdoso, etc
Tono/Valor: cuan claro u oscuro es un color. Si se entonan los ojos, se anulan los matices para diferenciar los tonos.
Intensidad o croma: cuan vivo o crudo es el color.

El tono es lo más importante en pintura, determina la estructura o composición del cuadro. Lo que primero impacta a la vista es la distribución de los tonos.

Los colores en si, los colores puros, los colores medios, tienen una ubicación en la escala de valores de acuerdo con su luminosidad. El amarillo, por ejemplo, es el más alto o claro de los valores colorísticos porque es el que más se aproxima al blanco. El violeta es el valor más oscuro, el más bajo, puesto que es el que más se acerca al negro. He aquí una escala de valores de los colores más importantes:

–Blanco
Amarillo
Amarillo naranja y amarillo verdoso
Verde y naranja
Rojo anaranjado y azul verdoso
Rojo y azul
Rojo violáceo y azul violáceo
Violeta
–Negro

El valor de una tinta es, el grado de intensidad luminosa que lo equipara a un determinado gris de la escala vertical que va del negro al blanco.

Hábitos diarios para artistas para destrabar la creatividad

Es importante mantener una rutina diaria para poder ejercitar nuestro yo creativo y mantenerlo en el tiempo, es un ejercicio mental que nos ayuda a mantenernos ágiles en el desarrollo cognitivo.

La escritora Danielle Krysa, ha compilado una colección de entrevista a todo tipo de artistas y como resultado ha publicado el libro “Creative Block“.

A continuación algunos hábitos diarios que pueden ayudar a desbloquear el punto creativo.

  • 1. Deja atrás la idea de que te tiene que quedar “perfecto” de entrada.
  • 2. Permítete divertirte en el proceso.
  • 3. No tengas miedo en hacer callar tu crítica interior.
  • 4. Entiende que vos mismo podes ser tu peor enemigo. No la obra.
  • 5. Pero no todos los límites auto-impuestos son malos. dentro de esos ciertos límites hay libertad y juego.
  • 6. Encuentra tu mandra y mantenlo cerca. Por ejemplo “un artista no puede fallar, es un éxito si ya eres uno”-fotógrafo alemán Matthias Heiderich
  • 7. Establece “tu” tiempo – por las mañanas me gusta tomar mates bien temprano y chusmear en pinterest.
  • 6. Y disfrutar de algunos vicios – salidas con amigos, intimidad, buenos tragos con buena música, etc. y luego es como si estuvieras recetado 🙂
  • 7. Humillese un poco de vez en cuando – “no soy un genio, y mi trabajo es el reflejo de mi particular yo interior”, al menos uno no se ofende con el pensamiento del otro.
  • 8. Cuando esta con la duda, pregunte
  • 9. Estar preparado para inspirarse en sitios mundanos
  • 10. Para aclarar tus ideas, tal vez te sirva limpiar tu espacio de trabajo primero.-

El resto de los hábitos en un próximo capitulo :), estén atentos! mientras el punto 7 a terminado por hoy 🙂

Igualmente presten atención a esto: Los momentos mágicos de creación, EUREKA!, por lo general ocurren luego de largos periodos de preparación, incubación y se destraban una vez que la mente está relajada.

Uso práctico de los colores complementarios

¿Para qué sirve aplicar colores complementarios/opuestos?

Fundamentalmente para crear máximos contrastes de color. El contraste es lo que hace que un objeto se destaque del fondo o de su alrededor.

Así como también para darle sombra a los objetos. Es decir si tienes un objeto naranja, el complementario seria un azul intenso para las sombras. Esta técnica produce una pintura colorida. Los artistas del Postimpresionismo como Van Gogh y Gauguin pero, sobre todos los posteriores como Derain, Matisse, Vlaminck, hicieron de esta norma un estilo de pintura: el FAUVISMO (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color.)

matisse fauvismo

Henri Matisse: Habitación roja o Armonía en rojo

El rojo lo combina con su complementario, el azul, presente en las flores del mantel , ya que los fauvistas eran expertos conocedores de la Teoría del Color, y Matisse conocía que contraponiendo dos tonos complementarios el resultado óptico resaltaba mucho más la fuerza de la paleta tonal de la obra.

 

En el impresionismo ya se veia venir este revolucionario método para aplicar contrastes y sombas:

Monet: Urraca

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La sombras son azules por su relación con la nieve y el hielo. Monet pintaba las sombras con los colores complementarios. Violetas y azules como contrarios a amarillos y rojizos.

De que color se pintan las sombras?

Algo muy importante a lo hora de pintar es apreciar los claros y oscuros ya que dan la profundidad o el efecto de espacialidad en una obra, la ubicación de los objetos en el espacio.

Entonces aprendemos a observar los colores, texturas y formas de cada objeto que nos rodea, poniendo un foco de luz que los ilumine y con la misma luz natural dirigida hacia ellos.
Los objetos reciben luz y sombras por defecto. Generando sombras propias del objeto, con luz reflejada sobre la sombra + sombra proyectada. Esta última es la sombra que genera el objeto sobre las superficies y otros objetos.
sombras

Hay distintas maneras de pintar las sombras:
Sombras con variación en el tono del color del objeto: Una vez tengas el color del objeto principal, puedes usar una variación en el tono del color, usa tonos más oscuros para pintar las sombras. Este tipo de sombras no son negras, son tonos oscuros de un color especifico, en algunos casos pudieran parecer negro, pero realmente es una modificación del color del objeto.
Sombras utilizando variaciones azuladas: utilizar tonos de azul oscuro es otra opción para pintar las sombras. Por lo general usados en paisajes al aire libre por un tema de atmósfera si el día esta despejado. Muchas veces también es utilizada en escenas nocturnas, en donde los tonos azulados predominan para crear un efecto de penumbra o de poca luz. En algunos casos el tono del azul es tan intenso que pudiera parecer negro.
Los colores complementarios para las sombras: otra opción más colorida es utilizar el color opuesto en el círculo cromático para pintar las sombras. Es decir, si tienes un objeto amarillo, el complementario seria un violeta para las sombras. Esta técnica fue muy usada a finales del impresionismo, fauvismo, expresionismo.
Luces frías, cálidas sombras: por lo general en la pintura realista se suele aplicar la siguiente fórmula: si las luces son cálidas en el dibujo las sombras deben de ser frías y si las luces son frías, las sombras deben de ser cálidas
Tengan en cuenta que las sombras no son todas del mismo color sino que se adaptan al color de los materiales, Más la suma del color de la propia luz e incluso la suma de los otros colores que reflejan su luz.

Si se hace una sombra de modo irracional o se pinta una sombra deformada, la psicología humana está preparada para detectar la separación con la realidad. Por supuesto, son decisiones del artista hacer las sombras más o menos realistas, para que sean más expresivas por un motivo determinado.

Colores Cálidos y fríos

Otra particularidad que se le suma al tema de los colores, es la sensación de calidez o frío que nos transmiten.

Existen en la naturaleza y en las obras de arte colores alegres y vitales, activos y estimulantes. Se siente en esos colores, la presencia de un principio vitalizador que los vincula al sol, a la alegría, ala salud, a la luz, a la fuerza. Y existen también, por lo contrario , otros colores que son particularmente sedantes, tranquilizadores, apaciguadores, serenos, apacibles.

Hacen pensar, estos colores, en las sombras, en las aguas, en el cielo, en ciertos aspectos de la serena naturaleza vegetal. En el lenguaje técnico de los artistas llamase cálidos a los primeros y fríos a los segundos.

  • Los colores cálidos abarcan – en el círculo cromático del amarillo al violeta rojizo- : toda la gama de los amarillos, los naranjas y los rojos.
  • Los colores fríos del amarillo al azul violáceo – :  toda la gama de los azules, los verdes, y los violetas.

El amarillo y el violeta, en si, se hallan en el limite de los fríos y de los cálidos y se inclinan hacia unos u otros según sea su matización hacia la zona de los azules o los rojos. El rojo y el naranja son los colores mas cálidos y el azul y el violeta los mas fríos.

Una particularidad importante de los colores cálidos y fríos es la que se vincula con su propiedad de proporcionarnos ciertas sensaciones de tamaño y de distancia. Los colores calidos agrandan y acercan los objetos, es decir, nos proporcionana la ilusion de que los objetos son mas grandes y se hallan mas cerca de nosotros. Se los califica por eso , en pintura, los colores salientes. Los fríos, en cambio, empequeñecen y alejan las cosas, por lo tanto son entrantes.

En particular el amarillo es mas saliente que el anaranjado, y éste más que el rojo. El violeta es más penetrante que el azul y más que el verde. Un blanco es más entrante o saliente según se halle más o menos matizados de fríos o de cálidos.

Arte y diseño digital, juegos para pantallas táctiles

BuddhaFinger Game, iOs, android, windows
BuddhaFinger Game, iOs, android, windows

Participar en este proyecto, junto con la cooperativa de desarrolladores freelance de Lady Shotgun Ld. como la encargada del diseño, concepto gráfico e ilustración, fue todo un desafío para mi, que vengo del mundo artístico y del diseño gráfico, me divertí mucho creando los personajes, armando poses de Kung-Fu, y diseñando la interfaz visual del juego en si.Lograr una gráfica que permitiera entender rápidamente la funcionalidad de cada botón fue donde hicimos mayor incapié. Prestar atención a la experiencia de usuario UX fue fundamental.

Con una estética innovadora para este tipo de juegos, Buddha Finger, salió al mercado a finales de octubre de 2012 y ha llegado a estar junto con los mejores juegos para smartphones por ejemplo dentro de los Top 12 en 2012 por Virgin Media, entre otros.

En tienda de US Windows Phone Stores catalogado como -The Next Big Thing- en desarrolladores independientes 2013.

“this is a neat casual beat-em-up in which characters are defeated by swiping on-screen numbers in the correct order, occasionally tapping wildly when the icon demands. It has the feel of a Wario or Bishi Bashi mini-game and the crucial touch UI is wonderfully implemented. Due out in the autumn, this is really promising.” Keith Stuart | The Guardian online games blog

 

Acá les dejo una demo de este divertido y adictivo juego para touchscreen:

La prestigiosa revista Gamezebo nos dio un puntaje de 5 estrellas, acá les dejo en enlace para conocer más sobre las repercusiones online de este juego adictivo.

La revista de comics DC también nos publicó una nota donde se explica como fue la experiencia de desarrollar un juego digital de manera independiente > Entrevisa a los desarrolladores de Buddha finger